La década de 1960 fue una de las más transformadoras en la historia del cine , una época en la que el encanto de Hollywood se fusionó con jóvenes voces rebeldes y la influencia europea se filtró al cine estadounidense. Fue una época que produjo una gran cantidad de clásicos. Pero esta lista no solo analiza los mejores, sino también los que merecen más la pena ver.
Estas películas se disfrutan desde el primer, segundo y décimo visionado. Consuelan, emocionan, provocan y entretienen durante décadas, atrapándote porque quieres volver a vivir en sus mundos.
1960 — ‘El apartamento’
«Así es como se desmorona… como si fuera una galleta». El Apartamento es una comedia poco común que se vuelve más rica y conmovedora con cada visionado . Jack Lemmon está en su mejor momento como CC Baxter, un hombre decente que se ha dejado llevar por la ambición corporativa. Empieza como un engranaje de un sistema corrupto, prestando su apartamento a ejecutivos para sus asuntos, pero redescubre su conciencia y emerge como un héroe romántico. Frente a él, Fran Kubelik, interpretada por Shirley MacLaine, camina por una cuerda floja similar entre la esperanza y el desamor.
No es una combinación tonal fácil de lograr, pero Billy Wilder la hace parecer fácil. El director equilibra el cinismo y la ternura como nadie, sin escatimar en diálogos brillantes. La escena final (el famoso «Cállate y negocia») siempre es un éxito. El resultado es un romance para adultos , que cree en la posibilidad de que la gente común haga algo extraordinario.
1961 — ‘West Side Story’
«¡Me siento guapa, tan guapa!» West Side Story es una de esas películas que se siente inmensamente más allá de la realidad, más como un sueño compartido que como una película al uso. Natalie Wood , Richard Beymer y Rita Moreno lideran un elenco talentoso y enérgico, cuyo carisma nos atrapa y da vida a la historia. El resultado es un caleidoscopio de movimiento, color y carga emocional, que aún se mantiene vigente décadas después. Pocos musicales ofrecen el mismo nivel de tragedia emotiva o pasión sinfónica .
Las canciones de Bernstein y Sondheim son contagiosas, y la coreografía es increíblemente atlética , desde los ritmos iniciales en la azotea hasta el desgarrador final. Observamos cuerpos saltar sin esfuerzo por el aire, ignorando la gravedad como si fuera una simple sugerencia. El remake de Spielberg también es genial, y juntas las dos adaptaciones conforman una potente película doble y una fascinante síntesis de lo lejos que ha llegado el cine.
1962 — ‘Matar a un ruiseñor’
«Nunca entiendes realmente a una persona hasta que ves las cosas desde su punto de vista…» Al igual que West Side Story , Matar a un ruiseñor también se siente como mucho más que una película . Fundamentalmente, es una declaración moral imperecedera. Atticus Finch, interpretado por Gregory Peck , es una de las más poderosas encarnaciones de la decencia en el cine, un personaje cuya firmeza resulta revolucionaria en cualquier época. La historia, narrada a través de los ojos de la joven Scout ( Mary Badham ), se mueve con la fascinación de un niño a pesar de la complejidad del tema. Este enfoque hace que sus temas sean aún más impactantes.
Las escenas judiciales siguen siendo fascinantes, los misterios del barrio conservan su magia y la sabiduría de Atticus se siente eterna. La película no proclama sus valores; confía en que los sientas. Y lo más importante, Matar a un ruiseñor sugiere que todos podemos marcar la diferencia. Cada reestreno invita a la reflexión: ¿Qué es la valentía? ¿Cómo sobrevive la empatía en un mundo imperfecto?
1963 — ‘La gran evasión’
«Buena suerte». Uno de los mayores placeres del cine es ver a Steve McQueen robar una motocicleta nazi y correr hacia la libertad, y eso es solo una parte de por qué La Gran Evasión sigue siendo una película interminable. Esta aventura de la Segunda Guerra Mundial es a la vez una obra maestra de reparto y una epopeya de ritmo lento , llena de camaradería, tensión, humor y heroísmo. Es un placer observar la camaradería de los prisioneros , su ingenio mientras intentan abrirse paso a través de un túnel. Es camaradería forjada en la adversidad, desafío colectivo contra la tiranía.
El reparto secundario, desde el encanto de James Garner hasta la firmeza de Richard Attenborough , hace que cada personaje sea inolvidable. Y luego están las acrobacias, incluyendo uno de los saltos en motocicleta más espectaculares de la historia del cine. La película es larga, sí (casi tres horas), pero nunca lenta. En lugar de perder el tiempo ni alargarse, se mueve con seguridad, construyendo un clímax conmovedor. El final es profundamente agridulce, lo que le otorga un lugar entre los clásicos de su época.
1964 — ‘Mary Poppins’
«Una cucharada de azúcar ayuda a que la medicina baje». Julie Andrews ofrece aquí una de las actuaciones musicales más icónicas de todos los tiempos, una mezcla de extravagancia, sabiduría serena y una voz potente. Frente a ella, Dick Van Dyke irradia alegría, e incluso su famoso acento cockney, desigual, se ha convertido en parte del peculiar encanto de la película. Las canciones son inmortales, y la innovación visual sigue siendo encantadora, en particular la entonces vanguardista combinación de acción real y animación. Por no mencionar que el mensaje emotivo de que la magia de la infancia puede curar las heridas de la edad adulta nunca pierde su impacto.
Hay muchísima vida e historia en esta película. Rebosa fantasía, calidez, humor, melancolía y, sobre todo, asombro. El primer acto, en particular, es una explosión de alegría y energía. Por todas estas razones, Mary Poppins es una película que trasciende su tiempo y sigue deleitando a las nuevas generaciones con el paso de los años. Un cuento de hadas moderno.
1965 — ‘Sonrisas y lágrimas’
¡Las colinas cobran vida con el sonido de la música! Si bien Julie Andrews estuvo soberbia en Mary Poppins , la superaría un año después con su papel principal en La novicia rebelde . Su María irradia calidez y optimismo sin caer en la empalagosa, a la vez que interpreta a todo pulmón algunas de las melodías más icónicas de la historia del cine. Christopher Plummer la complementa a la perfección como el severo Capitán, que poco a poco se suaviza hacia el romance y la valentía. A su alrededor, los Alpes resplandecen de idealismo.
Sí, es sentimental (y tiene algunos tropiezos narrativos), pero la sinceridad es una moneda rara y preciada, y esta película la aprovecha con sabiduría. Por eso es una de las películas que más reconfortan . Aunque ganó el premio a la Mejor Película, las críticas fueron dispares en su estreno, pero desde entonces La novicia rebelde ha sido canonizada como uno de los grandes musicales clásicos. Hay quien todavía la odia, pero eso se debe precisamente a su icónica y a su enorme impacto.
1966 — ‘El bueno, el feo y el malo’
«Cuando tengas que disparar, dispara. No hables.» El mejor western de todos los tiempos . El bueno, el feo y el malo es una sinfonía épica de tensión creciente, humor intermitente y caos que se cierne sobre el destino. Clint Eastwood , Eli Wallach y Lee Van Cleef forman una trinidad de ambigüedad moral, cuyas alianzas cambian como el viento del desierto. Sus historias entrelazadas son impactantes en todos los aspectos, desde la interpretación hasta la estética. El lenguaje visual de Sergio Leone (primeros planos extremos, vistas panorámicas, quietud interrumpida por violencia repentina) influyó en innumerables cineastas posteriores.
Dicho esto, el ingrediente secreto es la música. La banda sonora de Ennio Morricone sigue siendo una de las más reconocibles jamás compuestas, hoy prácticamente sinónimo de todo el género. Cada visionado revela algo nuevo entre el polvo, el acero y el silencio. La incómoda colaboración entre Tuco y Blondie nunca pierde encanto; el enfrentamiento en el cementerio nunca pierde fuerza. Esto es la creación de mitos cinematográficos en su máxima expresión.
1967 — ‘El graduado’
«Señora Robinson, está intentando seducirme, ¿verdad?» A pesar de tener casi 60 cartas, El Graduado sigue siendo sorprendentemente moderno. Benjamin Braddock, interpretado por Dustin Hoffman, es para siempre el santo patrón de la confusión posadolescente: a la deriva, presionado, seducido y aterrorizado de elegir una vida antes de saber quién es. Mientras tanto, el gélido encanto de Anne Bancroft y la luminosa sinceridad de Katharine Ross construyen un triángulo cargado de anhelo… y mucho absurdo.
Sin embargo, lo que nos hace volver no es solo la actuación o la comedia, sino su tono único y sus temas universales. Es desorientación envuelta en el sol californiano, aburrimiento al estilo de Simon & Garfunkel. Es la ansiedad desarraigada de todo joven que no sabe qué rumbo tomar. El final sigue siendo uno de los mayores pivotes emocionales del cine, oscilando entre la desesperación y el triunfo, para luego, de repente, ser incómodo y cuestionador. Una película inteligente, tanto de su época como a años luz de la que se avecina.
1968 — ‘2001: Una odisea del espacio’
«Lo siento, Dave. Me temo que no puedo hacerlo». Es un poco ridículo la cantidad de obras maestras que Stanley Kubrick creó en su apogeo. Una de las más influyentes fue 2001 , que sentó las bases para casi todos los clásicos de ciencia ficción que le siguieron, desde Star Wars hasta Alien . Aparte de los innovadores efectos visuales, simplemente ofrece una historia cautivadora y temas que invitan a la reflexión. ¿Quiénes somos? ¿De dónde venimos? ¿Qué hay más allá de la conciencia?
Hay muchísimas imágenes memorables aquí: la serena amenaza de HAL, el poder inescrutable del monolito, el viaje a través de la puerta estelar hacia la trascendencia evolutiva, sin mencionar uno de los cortes de combate más icónicos de la historia del cine. Kubrick fusiona asombro, misterio y terror en una sinfonía de imágenes y silencio, planteando el tipo de grandes preguntas que la ciencia ficción moderna suele evitar. En 1968, esta película debió de parecer una misiva de otra dimensión.
1969 — ‘Butch Cassidy y Sundance Kid’
¿Estás loco? ¡La caída probablemente te mate! La imagen congelada final de Butch Cassidy es, con razón, icónica, pero solo funciona porque el resto de la película se lo merece. En este western que rompe los límites, Paul Newman y Robert Redford irradian una química traviesa, interpretando a forajidos con encanto y una ingenua conciencia de que el mundo cambia más rápido de lo que pueden dibujar. Con sus ingeniosas bromas y sus peculiares interludios, la película rompió radicalmente con las convenciones del género de su época.
Es un western que parece una comedia informal hasta que de repente se convierte en un réquiem. Las estrellas de renombre hacen un gran trabajo, pero un factor clave en el éxito de la película es el brillante guion del gran William Goldman , escritor de La princesa prometida . El guion ofrece una potente mezcla de calidez y fatalismo. Aunque su estreno tuvo una recepción mixta, Butch and Sundance se ha convertido en uno de los westerns más perdurables de su época.