Este domingo será la noche más importante del año para Los Ángeles: las estrellas de la meca del cine se darán cita en masa en el Dolby Theatre de Hollywood Boulevard para la entrega de los Premios de la Academia, para celebrar la magia que solo esta legendaria ciudad puede crear.
Pero un vistazo a las películas nominadas al Óscar a la Mejor Película revela una sorpresa desagradable: ninguna de las diez nominadas se produjo en los famosos estudios de Hollywood. Si bien parte de la posproducción se realizó en instalaciones de Los Ángeles, todas se filmaron total o parcialmente en otros lugares, desde Marty Supreme (Nueva York) hasta Sinners (Luisiana) y Hamnet (Reino Unido).
Hollywood, nombre con el que se conoce a la industria del entretenimiento con sede y operaciones en el condado de Los Ángeles, se está desintegrando. La producción, medida en días de rodaje en Los Ángeles, está cayendo en picado, pasando de 36.792 en 2022 a tan solo 19.694 en 2025, según un estudio de FilmLA . Unos 41.000 trabajadores esenciales para el funcionamiento de la industria la abandonaron entre 2022 y 2024, según los datos más recientes disponibles; algunos por decisión propia, otros por necesidad. La persona más poderosa de la industria no es un director de estudio tradicional, sino Ted Sarandos, codirector ejecutivo del gigante del streaming Netflix , con sede en Silicon Valley.
Y sí, eso sigue siendo cierto incluso después de que David Ellison, de Paramount Skydance, superara la oferta de Netflix para comprar el legendario estudio Warner Bros. Discovery . De hecho, el resultado de esa negociación, seguida de cerca, parece ser otro golpe mortal para la industria cinematográfica como fuerza económica dominante en Los Ángeles. Ellison, el nuevo magnate de Hollywood, promete generar más de 6 mil millones de dólares en sinergias tras la adquisición. Ha prometido que la mayoría de estos recortes de costos afectarán a sectores no laborales, pero la industria cinematográfica de Los Ángeles se prepara para despidos masivos.
Mientras tanto, la amenaza de que la IA transforme la industria cinematográfica se cierne sobre el panorama, y el espectro del colapso del sector, de ciudades estadounidenses despobladas por la deslocalización de empleos manufactureros y la obsolescencia de trabajadores debido a las nuevas tecnologías, se cierne opresivamente sobre los bulevares y palmeras de Los Ángeles. «Una versión soleada de Detroit», fue la valoración de Michael Lynton, exdirector ejecutivo de Sony Pictures Entertainment, en una reciente visita a su antiguo lugar de trabajo. «Había un silencio sepulcral», declaró a The Hollywood Reporter . «No pasa nada».
El colapso de toda una industria es una historia triste, se mire por donde se mire. El colapso de Hollywood es aún más significativo. Durante años, el cine fue una importante exportación estadounidense, que no solo enviaba películas, sino también una visión del mundo estadounidense a todo el planeta. Ahora, medidos estrictamente en dólares, los más de 20 mil millones que Estados Unidos gana anualmente con la exportación de películas y programas de televisión palidecen en comparación con otras exportaciones, como el petróleo, los automóviles y la maquinaria industrial. Sin embargo, estos productos esencialmente estadounidenses —películas de acción, series de streaming adictivas y un sinfín de superhéroes y estrellas de cine increíblemente glamurosas— tienen una influencia desproporcionada a su tamaño a la hora de consolidar el «poder blando» del país a nivel internacional, introduciendo el idioma, la cultura, la moda y las costumbres sociales estadounidenses en hogares desde Seúl hasta São Paulo de una forma que ningún buque portacontenedores cargado de GNL puede igualar. Cuando decimos «una oferta que no puede rechazar» o «creo que ya no estamos en Kansas», todos sabemos lo que significa y de dónde viene la expresión.
El efecto de agrupamiento
Durante cien años, Hollywood fue uno de los ejemplos más exitosos y famosos del mundo de lo que se conoce como un «cluster industrial». Michael Porter, de la Escuela de Negocios de Harvard, quien acuñó el término en 1998, describió estos clusters como «masas críticas —en un mismo lugar— de éxito competitivo excepcional en campos específicos». Otros ejemplos son las empresas de automóviles de alto rendimiento en el sur de Alemania; las farmacéuticas cerca de Filadelfia; y las empresas de calzado de alta costura en el norte de Italia. Pero en sus escritos, Porter destacó los dos ejemplos más emblemáticos: «Silicon Valley y Hollywood son quizás los clusters más conocidos del mundo».
Estos clústeres fomentan el éxito porque crean círculos virtuosos: cuando las mejores personas y empresas de un sector se concentran en una zona, las demás empresas del sector también desean estar allí. Quienes se unen al clúster adquieren conocimientos, relaciones y motivación que sus rivales lejanos no pueden igualar, según Porter. El resultado es un ciclo ascendente que atrae a más actores del sector y lo fortalece aún más.
Hollywood surgió como un clúster industrial cuando los cineastas de principios del siglo XX huyeron de Nueva York y Nueva Jersey para escapar de la agresiva aplicación de las patentes de Thomas Edison sobre cámaras de cine, proyectores y otras tecnologías, y para aprovechar los terrenos baratos y el sol durante todo el año del sur de California. Entre aproximadamente 1910 y principios de la década de 1920, docenas de productores independientes se consolidaron en estudios integrados verticalmente (Paramount, MGM, Warner Bros., Fox , Universal), concentrando la producción en Los Ángeles y sus alrededores y creando un denso ecosistema de platós, estudios al aire libre, laboratorios, almacenes de equipos y mano de obra cualificada. La distribución y exhibición mundial también se gestionaban desde Los Ángeles. A finales de la década de 1920 y en la de 1930, esta aglomeración se había convertido en un clúster que se retroalimentaba: el sistema de estudios de la «Edad de Oro» producía cientos de películas al año; reclutaba y desarrollaba estrellas «rentables» queridas en todo el mundo; y atraía talento y proveedores de todas partes, elevando a Hollywood de vecindario geográfico a fábrica de sueños .
Hoy en día, el ciclo ascendente de Hollywood parece estar revirtiéndose. No ocurrió de repente ni por una sola causa. En parte, se debe a la caída de las barreras tecnológicas, que permiten a más consumidores elegir y acceder a una mayor variedad de entretenimiento que nunca, gran parte del cual no proviene de Hollywood.
Desde la perspectiva del consumidor, un economista podría aplaudir la abundancia de opciones y la competencia en la era del streaming. ¿Más opciones a menor costo? ¿Qué más se puede pedir? Pero en el mundo real, más que en el teórico, la transición actual es desastrosa para miles de personas talentosas de clase media que viven en un ciclo descendente, y para todos los amantes del cine y la televisión. La pérdida de la cantera de talento de la industria bien podría resultar en una disminución de la calidad de los productos que produce y dar lugar a una avalancha de basura generada por IA. Y en una época en la que los políticos de ambos partidos solo hablan de boquilla sobre el objetivo de que los estadounidenses vuelvan a la producción artesanal , vale la pena señalar que la industria exportadora más importante culturalmente del país se encuentra en un estado de crisis creciente.
¿Qué queda del trabajo soñado en Hollywood?
Consideremos el caso de Jason Lazarcheck, un guionista que llegó a Hollywood desde Nueva York en 2008, justo después de graduarse de la universidad. Consiguió un trabajo en una serie de Lifetime llamada Army Wives —«la última serie que habría elegido en mi vida», dice—, pero le ofrecía una vida estable como guionista. En aquellos años previos al streaming, la mayoría de las series producían 22 o 23 episodios por temporada, «así que eso significaba mucho trabajo para los guionistas», explica. Aún más importante, su trabajo como guionista continuó durante la producción de todos los episodios, incluyendo el rodaje, en caso de que hubiera que hacer cambios sobre la marcha. Durante todo el proceso, el productor ejecutivo lo guió en todos los aspectos de la producción de esos episodios. El resultado, recuerda, fue que «aprendí más sobre escribir y producir televisión que muchos guionistas en su vida».
Un joven y ambicioso escritor que llegara hoy a Los Ángeles difícilmente encontraría una oportunidad profesional como esa. «Uno de los cambios más negativos en la televisión para los guionistas es que ahora la mayoría de las series tienen menos episodios», dice Lazarcheck. En el mundo del streaming no existe la obligación de un número fijo de episodios, por lo que prácticamente ninguna serie produce 22 episodios; algunas producen tan solo cuatro o cinco a la vez. «La última serie en la que trabajé fue una miniserie de Apple », comenta. Los productores les dijeron a los guionistas que escribieran todos los guiones, y luego Apple decidiría si producir la serie, titulada Lure . Apple la rechazó, aunque el proyecto aún podría producirse en otro lugar. Incluso si la serie recibe luz verde, los guionistas no serán contratados a través de la producción.
La era del streaming ya no ofrece el flujo constante de trabajo al que muchos directores, directores de fotografía, guionistas, electricistas, técnicos de sonido y otros profesionales estaban acostumbrados. «Ya no hay necesidad de llenar la programación de las ocho de la noche del miércoles», dice Mark Goffman, productor y guionista, así que hoy en día, «[los productores] encargan un guion y seis meses después aprueban otro. Solo unos pocos, muy pocos, reciben luz verde y avanzan a toda velocidad. Todo lo demás avanza con lentitud y sin ninguna urgencia real».
En resumen, conseguir un trabajo en la sala de guionistas hoy en día ya no es una oportunidad tan valiosa. Con «menos episodios, menos guionistas» y sin participación en la producción, Lazarcheck afirma que se trata de una versión reducida del trabajo que desempeñaba el guionista anteriormente. Para quienes intentan ganarse la vida en Hollywood, comenta: «Siento que nunca ha sido tan difícil». Esta realidad se hizo aún más evidente después de 2023, cuando los sindicatos de guionistas y actores se declararon en huelga, sin cobrar sus salarios durante casi cinco meses para exigir mejores sueldos, requisitos mínimos de personal, mejor seguro médico y protección contra la IA.
Al igual que muchos otros en la otrora poderosa industria de Hollywood, Lazarcheck ha tenido que buscar trabajo fuera del sector. Recientemente aceptó un puesto como consultor experto en redacción para empresas de IA, la industria que amenaza con reemplazar su anterior trabajo. «Si me hubieran preguntado en la protesta frente a los estudios Disney si me sentiría cómodo trabajando para una empresa de IA, habría dicho: «¡Ni hablar!»», comenta. «Pero pasan los años y simplemente necesito ganar dinero».
Lazarcheck aún vive en el área de Los Ángeles, pero muchos otros trabajadores de la industria se están marchando; algunos renuncian a la industria, otros trabajan de forma remota desde lugares menos costosos que Los Ángeles. Lazarcheck ofrece este consejo a sus colegas: «No te definas por Hollywood».
El modelo de negocio fallido de Hollywood
Cuando se les pregunta a los veteranos de Hollywood sobre el declive del sector, suelen decir lo mismo: «Netflix lo cambió todo».
Pero el alejamiento de la producción cinematográfica tradicional comenzó antes de que el gigante del streaming empezara a arrebatarle el protagonismo a los grandes estudios al producir sus propias películas y series en la década de 2010. El negocio principal de Hollywood dejó de ser el cine hace mucho tiempo, afirma Jeff Bewkes, exdirector ejecutivo de Time Warner, donde supervisó HBO , Warner Bros., Turner Broadcasting y New Line Cinema. «Durante los últimos 30 años, el negocio más importante para la mayoría de las empresas de medios tradicionales, en términos de número de empleados, beneficios y retorno de la inversión, ha sido la producción de series de televisión, no la de películas», explica. «La excepción podría ser Disney, con sus enormes franquicias cinematográficas e ingresos no solo por la exhibición, sino también por productos de consumo, parques temáticos y experiencias en cruceros».
Los grandes estudios de Hollywood llevaban años produciendo programas de televisión, pero durante la mayor parte de ese tiempo solo existían tres cadenas, un mercado pequeño. Luego, a partir de la década de 1970 y con mayor rapidez en la de 1980, se instalaron cables y decodificadores en millones de hogares, lo que permitió que decenas de nuevos canales llegaran a grandes audiencias. Todos esos canales necesitaban programación, y Hollywood estaba listo para ayudar.
A mediados de la década de 1990, el gobierno derogó una antigua norma que prohibía a las distribuidoras (las cadenas de televisión) ser propietarias de los programas que emitían. El objetivo era atraer a más productores con diversas perspectivas e ideas a los tres principales canales de televisión, pero la televisión por cable había resuelto ese problema. Dado que los propietarios de los canales de cable ahora podían ser dueños de los programas que emitían, comenzaron a producir más, aumentando la producción propia y la de sus filiales; incrementando la propiedad verticalmente integrada de la programación en horario estelar y por cable; y abriendo las puertas a más negocios para Hollywood y a una mayor consolidación.
A medida que avanzaba la tecnología de consumo, Hollywood obtenía aún más ingresos en forma de derechos de autor gracias a Blockbuster y empresas similares que alquilaban cintas VHS y DVD a los consumidores durante esos mismos años.
En 1997, la fundación de Netflix pasó prácticamente desapercibida, pues en aquel entonces parecía una simple evolución del sector de Blockbuster, el alquiler de DVD por correo. La verdadera revolución —lo que lo cambió todo— fue la introducción de la transmisión de contenido multimedia por internet en 2010. En aquel momento, el canal de cable líder en entretenimiento propio de alta calidad era HBO, con series como Los Soprano, Sexo en Nueva York, The Wire, Hermanos de sangre y muchas más.
Pero cuando Netflix comenzó a llegar a los consumidores a través de internet, HBO se enfrentó a una importante desventaja competitiva. Llegaba a sus suscriptores a través de las compañías de cable locales, que le cobraban una tarifa. Si los suscriptores pagaban a la compañía de cable 15 dólares al mes por HBO, esta se quedaba con 5 dólares. Netflix, al llegar a los suscriptores directamente en línea, recibía todo el dinero que estos pagaban. De poco servía que la empresa matriz de HBO, Time Warner, fuera un importante proveedor de internet doméstico, una de las infraestructuras de las que dependían las plataformas de streaming para distribuir contenido a los consumidores. La norma de neutralidad de la red de la administración Obama impedía que los proveedores de internet favorecieran sus propios productos o limitaran el ancho de banda de sus competidores.
Aún más importante, como se demostró, Netflix podía recopilar enormes cantidades de datos sobre cada suscriptor: qué géneros, actores y directores les gustaban, qué escenas repetían o se saltaban, y un sinfín de otros datos. Utilizó toda esa información para diseñar un potente algoritmo que presentaba a los usuarios series populares como Orange Is the New Black y Arrested Development en función de los gustos que revelaban sus hábitos de visualización. Estos datos también guiaron la inversión en contenido original de la plataforma, incluyendo la famosa apuesta de 100 millones de dólares que hizo para dar luz verde a dos temporadas de House of Cards de David Fincher en 2013, sin siquiera haberla visto. Muchos han especulado que la vasta cantidad de datos de Netflix influye en ciertos patrones narrativos de sus series (por ejemplo, finales en suspenso para fomentar el maratón de series y la frecuente repetición de puntos clave de la trama para captar la atención de los espectadores distraídos con sus teléfonos). Hasta que tuvieron sus propias plataformas de streaming, HBO y otros canales que llegaban a los suscriptores a través de una compañía de cable no disponían de esos datos.
La competencia se intensificó —con la entrada en escena de Hulu , Amazon Prime y Apple TV+, entre otros— y la guerra del streaming de la década de 2010 dio lugar a una época dorada de la televisión, en la que los canales de cable premium y las nuevas plataformas de streaming se disputaban frenéticamente a los mejores talentos.
Ese flujo constante de dinero se ha ralentizado considerablemente desde entonces, y hasta ahora el proveedor original de streaming ha salido victorioso: Netflix es, con diferencia, la mayor empresa de streaming del mundo, con 325 millones de suscriptores. En Estados Unidos, el año pasado acaparó el 59% del tiempo total de visualización en streaming; otras 10 plataformas se repartieron el resto, según el Informe de Cine y Televisión de Fin de Año 2025 de Luminate. Y ahora compite a mayor escala: su reciente valor de mercado de 358.000 millones de dólares la convierte en una empresa más valiosa que las dos siguientes compañías más valiosas de Hollywood, Disney y Sony , juntas. En una clasificación de diciembre de 2025 de las personas más poderosas de Hollywood, elaborada por la revista especializada Variety , el número 1 es el codirector ejecutivo de Netflix, Ted Sarandos. Nadie parece ponerlo en duda, ni siquiera con los avances que David Ellison ha logrado últimamente.
Otro elemento desconcertante en el mundo de Netflix es la forma en que la compañía paga a actores, guionistas y demás profesionales. Tradicionalmente, los estudios han ofrecido honorarios por adelantado y regalías basadas en las ganancias de una película o serie de televisión, pagos que a veces se prolongan durante años, dependiendo de su éxito. Pero Netflix, que guarda sus datos de usuario como si fueran oro en Fort Knox, ofrece una suma global mayor por adelantado, sin regalías ni datos de rendimiento publicados. Esto es comprensible, dada la valía de esos datos, escribió Jason Blum, fundador y director ejecutivo de Blumhouse Productions , en el New York Times en 2022. «Pero el sistema deja a los creadores con muy poca visibilidad sobre si sus obras tienen éxito atrayendo espectadores», explicó Blum. «Al pagar normalmente una tarifa fija por adelantado, Netflix elimina la compensación habitual basada en el éxito (conocida como ‘back end’ en Hollywood)».
Un conocido agente, que prefiere permanecer en el anonimato porque aún negocia con Netflix y otras compañías, parece casi traumatizado por el nuevo orden: «Los grandes éxitos del pasado que daban sus frutos, ya no», explica el agente. «Por lo tanto, toda esta gente del sector no trabaja al ritmo de antes ni gana el dinero que solía ganar».
“No quería irme a vivir a Bulgaria”.
El área de Los Ángeles es un lugar caro para vivir y producir películas y series de televisión, por lo que es lógico que las producciones y los trabajadores busquen otras alternativas. El área de Atlanta ha sido un importante centro de producción durante muchos años, ofreciendo a los productores menores costos e incluso subsidios en algunos casos. Disney ha producido allí muchas de sus películas de Marvel, incluyendo Black Panther y Capitán América: Civil War . También se han filmado allí películas de las franquicias Los Juegos del Hambre y Fast & Furious , además de cientos de proyectos más. Vancouver es otra alternativa atractiva y en auge a Hollywood, especialmente cuando el dólar canadiense está bajo.
Muchos proyectos se trasladan a otros países que ofrecen subvenciones y bajos costes, a la vez que absorben la experiencia de Hollywood. «En los últimos dos años he estado en Taiwán varias veces», dice Goffman. «He visitado algunas partes de Asia y Oriente Medio donde están aumentando la producción. Muchos países de Europa del Este han impulsado sus producciones».
La globalización de la industria cinematográfica puede ser beneficiosa a largo plazo —al expandir los mercados, reducir los costos y difundir el conocimiento a nuevos centros de producción—, pero para los equipos radicados en Los Ángeles, mudarse a sets remotos durante meses puede ser sumamente perturbador y poco deseable. «A menudo te preguntan si quieres participar en una serie», dice Goffman, «pero tendrás que mudarte a otro país en otro continente durante seis o nueve meses, lejos de tu familia». Marjorie David, productora y guionista con 40 años de experiencia, comenta: «Hay una serie completa que no hice porque no quería irme a vivir a Bulgaria».
Silicon Valley devora Hollywood
¿Qué importa si las películas se hacen en Hollywood, Atlanta o Dublín? Quizás, en la era de la colaboración en línea y las reuniones por Zoom , ya no importe. Pero con la desintegración de Hollywood, uno de los mayores centros industriales del mundo, se pierde algo más que empleos e ingresos.
Durante un siglo, la especificidad geográfica de Hollywood propició que guionistas, directores, directores de fotografía, montadores, actores y ejecutivos trabajaran muy cerca unos de otros, pasando de un proyecto a otro e intercambiando ideas, técnicas y contactos en los platós, tomando martinis en Musso & Frank’s o en las cafeterías de Silver Lake. Esa espiral ascendente autoimpulsada convirtió un pequeño rincón del sur de California en el centro de una industria y, culturalmente, del mundo.
Si ese núcleo de talento se dispersa a lugares más económicos, la ciudad perderá esos encuentros cotidianos —escenarios compartidos, colaboraciones recurrentes, mentorías presenciales— que ayudaron a integrar talentos individuales en un ecosistema de innovación. El conocimiento acumulado durante décadas no se transmitirá como antes, ni se perfeccionará mediante la estrecha cooperación y la competencia.
Lo que lo reemplace probablemente estará más fragmentado: aún se pueden realizar grandes obras, pero será más difícil mantener el mismo nivel de trabajo colectivo y experimentación. Y, lamentablemente, esta espiral descendente también se retroalimenta.
Por ahora, Netflix y las demás plataformas de streaming están claramente en ascenso —y siguen pagando a profesionales para producir películas y series de televisión en todo el mundo—, pero el panorama podría cambiar drásticamente, y pronto. Los adolescentes pasan más tiempo viendo videos generados por usuarios en TikTok, YouTube , Facebook, Instagram , X y otras redes sociales que cualquier otro tipo de video, según una investigación de eMarketer, el Pew Research Center y los Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades. YouTube informa que los usuarios suben 500 horas de video por minuto; eso es más contenido en un día que todas las películas y series de televisión que Hollywood produce en un año. Con el avance vertiginoso de la IA, miles de millones de personas en todo el mundo tendrán las herramientas para crear videos de cada vez mayor calidad por sí mismas.
La transmisión de este domingo por la cadena ABC de Disney será una celebración de todo lo que representa Hollywood: vestidos fabulosos en la alfombra roja, emotivos discursos de creativos consagrados y una cobertura completa de las fiestas posteriores. Pero en 2029, con motivo del centenario de los Óscar, la gala dejará la cadena que la ha transmitido cada año desde 1976. A partir de entonces, se emitirá exclusivamente por YouTube, propiedad de Alphabet, empresa matriz de Google . Y es muy probable que se consuma principalmente a través de vídeos de momentos virales del día siguiente.
Como dijo Michael Porter, los dos polos industriales más famosos del mundo son Hollywood y Silicon Valley. Mientras uno de ellos se desvanece, parece que el otro lo está absorbiendo.
Bewkes, otrora magnate de Hollywood, lo describe como el fin de una era. «Quienes controlan ahora los medios de comunicación y determinan su futuro son los oligarcas tecnológicos», afirma. «No es una predicción, es una descripción de lo que está sucediendo».